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Mausoleo

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Mausoleo di Galla Placidia

Il Mausoleo di Galla Placidia prese il nome in onore della figlia prematuramente defunta dell'imperatore Teodosio il Grande. In realtà non si tratta di un mausoleo, poiché Galla Placidia è sepolta a Roma.

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Durante il glorioso regno dell'imperatore Giustiniano I, l'Italia fu temporaneamente riconquistata dai barbari. Per commemorare questo evento, nell'antica capitale del re ostrogoto Teodorico, la città di Ravenna, fu costruita una chiesa dedicata al santo martire Vitaly (San Vitale). Materiale didattico Chiesa di San Vitale a Ravenna (metà VI secolo) 26

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Chiesa di San Vitale a Ravenna

La Chiesa di San Vitale è un esempio di edificio centrico; la pianta è ottagonale con altare sfaccettato. La base della struttura è composta da 8 supporti che sostengono la cupola. I supporti sono collegati da archi semicircolari a due piani. Come tutte le chiese paleocristiane, sorprende per il contrasto tra la ricca decorazione interna e l'esterno ascetico fino alla povertà. La monotonia delle sue facciate è rotta solo da possenti contrafforti. Questo è un tipico esempio di architettura interna, come a sottolineare che non è l'involucro esterno ad essere importante, ma solo l'essenza interiore, che questo è un luogo di raccolta dei credenti, preghiere e servizi religiosi. L'interno della chiesa è magnifico: capitelli di pizzo delle colonne, innumerevoli archi, mosaico continuo delle pareti, il colore predominante è l'oro.

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arti e mestieri

Imperatore Costantino, cammeo in agata del VI secolo in cornice dorata del XIV-XV secolo, ca. 25 cm Biblioteca Nazionale. Parigi

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Imperatore-trionfante

Imperatore-trionfante, cosiddetto "avorio Barberini", VI secolo, cm 34 x 26,8. Louvre, Parigi

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"Rinascimento macedone"

I grandi illuministi slavi Cirillo e Metodio. Il classico completamento del sistema strutturale della forma a cupola del tempio nei secoli IX-X. Il risultato più alto dell'arte bizantina della dinastia macedone è lo smalto cloisonné su oro.

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Iconografia

Entro il X secolo Nelle belle arti bizantine, in particolare nella pittura, si formò finalmente un canone iconografico: regole rigide per rappresentare tutte le scene di contenuto religioso e immagini di santi, nonché un canone stabile nella rappresentazione di una persona. L'estetica della pace contemplativa, della tranquillità solenne e dell'ordine ultraterreno comportava la creazione di un'iconografia stabile e immutabile. Tipologie e soggetti iconografici sono rimasti pressoché invariati da secoli. Il profondo spiritualismo delle visioni estetiche della società aristocratica bizantina, tuttavia, non condusse completamente l'arte di Bisanzio nel mondo della nuda astrazione.

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Arte durante il regno dei Comneno

Secoli XI-XII Costruzione massiccia di monasteri. L'emergere di un tipo unico di tempio: triconcha. La crescente importanza dei dipinti. La composizione del simbolismo sfaccettato dell'organizzazione dello spazio interno del tempio. Il posto dell'iconostasi nella decorazione del tempio. Canone iconografico bizantino.

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manoscritto delle “Parole” di Giovanni Crisostomo

L'XI secolo fu un periodo di straordinaria crescita nell'illustrazione di libri. Il centro per la creazione di codici davvero magnifici fu lo scriptorium imperiale di Costantinopoli. Qui furono creati veri e propri capolavori di miniature di libri per ordine degli imperatori. Tra questi figura il manoscritto delle “Parole” di Giovanni Crisostomo, realizzato per l'imperatore Nikephoros Botaniates (1078-1081). Una delle miniature raffigura lo stesso Nikephoros Votanian in modo magnifico

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Mosaici Hosios Lucas

I mosaici di Hosios Loukas sono apparsi quasi contemporaneamente ai mosaici di Nea Moni - nel secondo trimestre. XI secolo, ma appartengono a un circolo artistico completamente diverso. Già lo stesso sistema decorativo presenta alcune specificità che indicano l'origine locale e provinciale del monumento.

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In termini di stile musivo, Hosios Loukas rappresenta un'arte tipicamente monastica e provinciale, piena di severo ascetismo. Figure basse e dalla testa larga sono presentate in pose frontali e congelate, gli occhi grandi conferiscono ai loro volti un'espressione severa e concentrata, la modellazione colorata è sostituita da un'interpretazione puramente piatta, non c'è il minimo accenno alle caratteristiche di uno spazio specifico, duro, ovunque prevalgono linee spigolose e secche. Le composizioni sono distese su un piano, hanno in sé qualcosa di immobile e facilmente scomponibile in singole componenti. La colorazione è a tinte spente, dominata da un cupo sfondo nero. Tra i mosaici greci, quelli di Hosios Loukas sono i più arcaici. Si trovano fuori dalla linea di sviluppo dell'arte di Costantinopoli, essendo strettamente legati alle antiche tradizioni puramente orientali.

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Incontro del Signore. Mosaico Naos. Catholicon del monastero di Hosios Loukas a Focide. Bisanzio, 1030

Maria tiene il bambino Cristo con entrambe le mani e trasmette i suoi diritti. Simeone. Simeone riceve il Salvatore con le mani nascoste in segno di speciale riverenza. Il bambino gli tende le mani. Giuseppe segue Maria, reggendo due tortore. Dietro Simeone c'è la profetessa Anna con un cartiglio.

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Incontro del Signore. Mosaico Naos. Catholicon del Monastero di Hosios Loukas a Focide

La scena si svolge all'interno del tempio, che è indicato dall'immagine del baldacchino del santuario e da un telo gettato davanti all'ingresso del santuario, decorato con una croce d'oro, come sulla copertura del Trono. La composizione è realizzata simmetricamente. Figure femminili in piedi si alternano a figure maschili in movimento, e si alternano anche i colori delle loro vesti: tonalità di bianco nelle vesti di Giuseppe e Simeone e colori blu scuro e viola dei maforiani in Maria e Anna.

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Mosaico "Cristo Pantocratore"

Mosaico "Cristo Pantocratore (Pantocrator)", ca. 1320, Chiesa di Cristo Salvatore a Kore, Istanbul (Turchia)

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Scene evangeliche

Le scene evangeliche occupano uno spazio estremamente limitato; predominano le singole figure di santi, sparse in modo un po' caotico in tutto il tempio. Ciò viola il rigoroso carattere architettonico della decorazione, tipico dell'arte costantinopolitana.

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Nella cupola è rappresentato il Pantocratore, circondato da quattro arcangeli, la Vergine Maria e il Precursore, nel tamburo - 16 profeti (di questa parte della decorazione, sostituita da affreschi nel XVI secolo non è rimasto quasi nulla), nell'abside - il Maria seduta con il Bambino, nella nicchia delle finestre absidali - racchiusa in medaglioni Deisis, nella volta a padiglione sopra il trono - la Discesa dello Spirito Santo, sull'arco trionfale - due arcangeli, nelle nicchie del naos - quattro padri della chiesa, nel trompo dell'Annunciazione (perduta), della Natività di Cristo, della Presentazione del Signore, del Battesimo. La narrazione raffigura quattro scene: la lavanda dei piedi, la crocifissione, la discesa agli inferi e la rassicurazione di Tommaso.

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Iconografia

Icona in mosaico del XII-inizi XIII secolo. cm 34x23 L'icona è una delle immagini musive più rare del Sinai. Probabilmente fu inviato da Costantinopoli, dove esisteva uno dei pochi centri per la produzione di tali icone. Le costose icone dei mosaici richiedevano un artigianato speciale e sofisticato, quindi i monumenti sopravvissuti, quasi senza eccezioni, sono del più alto livello artistico.

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Icona in mosaico del XII-inizi XIII secolo

L'immagine era composta dai cubetti più piccoli di smalto vetroso appositamente preparato, che di solito contava più di cento sfumature e consentiva di trasmettere i migliori effetti pittorici. Le icone furono originariamente create come immagini della porta della cappella, glorificando le rivelazioni del Sinai a Mosè e al santuario principale del monastero. Sotto il trono dell'altare della cappella i pellegrini possono ancora toccare questa reliquia vivente.

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Mosè al roveto ardente

Questa immagine è abbinata a un'altra icona, "Mosè riceve le tavolette", che è identica per dimensioni e stile di scrittura, rivelando la mano dello stesso pittore di icone. Ora le icone si trovano sopra gli ingressi sud e nord della cappella del Roveto Ardente, adiacente da est all'abside dell'altare della basilica ed eretta sul luogo leggendario dell'epifania di Mosè in un roveto ardente ma incombusto.

All'inizio del XIII secolo apparve un tipo di icone agiografiche in cui l'immagine del santo al centro (al centro) era circondata da francobolli raffiguranti gli eventi della sua vita. Nella pittura di icone appare un momento di letteratura e narrazione. Sull'icona al centro vediamo S. Catherine in abiti reali: proveniva dalla famiglia reale. Nella mano destra tiene una croce rossa, simbolo del martirio. Sui francobolli si vedono diverse scene nel registro superiore.

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Nostra Signora Odigitria

Icona. Salonicco (?), seconda metà del XIV secolo. Legno, tempera. cm 109 x 46. Provenienza: Veroia, icona del templon della chiesa del Pantocratore. Posizione: Museo Bizantino, Veroia, Grecia.

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Iconografia

A differenza dell'Oriente musulmano, dove il primato dello spirituale sul carnale portò al predominio del geometrico e delle forme ornamentali nelle belle arti, sostituendo l'immagine dell'uomo, nell'arte di Bisanzio l'uomo rimaneva ancora al centro della creatività artistica. Dopo la vittoria sugli iconoclasti nell'arte, si rivolsero nuovamente all'ellenismo, ma con una profonda elaborazione delle sue tradizioni al fine di aumentare la spiritualità della creatività artistica. Se il mondo pagano glorificava la bellezza fisica dell'uomo, allora l'arte bizantina glorificava la sua grandezza spirituale e la purezza ascetica.

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"Rinascimento paleologo"

L'ascesa della cultura bizantina a cavallo tra i secoli XIII-XIV. Il “Rinascimento Paleologo” come ritorno a ciò che era perduto. Trasformazione del tempio da una cupola a sei cupole. Caratteristiche della pittura paleologica. Rafforzare il principio laico. Crescente interesse per il patrimonio antico nelle composizioni architettoniche e paesaggistiche. La rinascita delle idee esicaste nel XIV e all'inizio del XV secolo. Istituzione nell'arte dell'immagine ascetica del santo.

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Periodo tardo bizantino dell'arte

Il XV secolo è il periodo del declino della cultura bizantina. La caduta di Costantinopoli e la fine dello stato bizantino. Il significato dell'arte bizantina. L'influenza della cultura artistica bizantina del periodo paleologo sull'arte del Protorinascimento fiorentino, l'arte veneziana del Trecento e Rossi come suo erede spirituale.

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Domande per l'autotest 52 Nomina le direzioni in cui si è svolto lo sviluppo dell'arte paleocristiana dell'Impero Romano d'Oriente. Elenca le caratteristiche principali dello stile artistico bizantino durante il regno di Giustiniano il Grande. Quali furono le principali conquiste dell'arte bizantina durante il Rinascimento macedone? Rivela il significato simbolico dell'organizzazione dello spazio interno del tempio durante il periodo dei Comneno. Raccontaci le caratteristiche delle belle arti del “Rinascimento paleologo”.

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Lettura consigliata 53 Velmans T. Il mondo bizantino. Architettura e pittura del tempio / T. Velmans, V. Korac, M. Shuput. - M.: Città Bianca, 2006. - 528 p. Weiss G. Storia della cultura dei popoli del mondo. Conquiste arabe. L'ascesa di Bisanzio - M.: Eksmo, 2005. - 144 p. Gnedich P. P. Storia delle arti. Pittura. Scultura. Architettura: versione moderna - M.: Eksmo, 2007. - 848 p. Shalina I. A. Reliquie nell'iconografia cristiana orientale / I. A. Shalina. - M.: Indrik, 2005. - 536 p.

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54 Utilizzo dei materiali di presentazione L'utilizzo di questa presentazione può essere effettuato solo in conformità ai requisiti delle leggi della Federazione Russa sul diritto d'autore e sulla proprietà intellettuale, nonché tenendo conto dei requisiti della presente Dichiarazione. La presentazione è di proprietà degli autori. È possibile stampare una copia di qualsiasi parte della presentazione per uso personale e non commerciale, ma non è possibile ristampare alcuna parte della presentazione per qualsiasi altro scopo o apportare modifiche a qualsiasi parte della presentazione per qualsiasi motivo. L'uso di qualsiasi parte della presentazione in un'altra opera, sia in formato cartaceo, elettronico o di altro tipo, o l'uso di qualsiasi parte della presentazione in un'altra presentazione tramite riferimento o altro, è consentito solo dopo aver ottenuto il consenso scritto degli autori.

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Architettura e pittura di Bisanzio Bisanzio è uno stato sorto nel IV secolo. durante il crollo dell'Impero Romano nella sua parte orientale (Impero Romano d'Oriente) ed esisteva fino alla metà del XV secolo. Il territorio dell'impero, situato principalmente nel sud-est della penisola balcanica e nell'Asia Minore, cambiò più volte. A differenza di altri stati europei, Bisanzio fu meno colpita dalla Grande Migrazione dei Popoli del IV-VII secolo. e sfuggì alla catastrofica distruzione che colpì l'Impero Romano d'Occidente. Pertanto, le tradizioni dell'antichità furono preservate per lungo tempo nell'arte bizantina, soprattutto da quando i primi secoli del suo sviluppo passarono nelle condizioni del defunto stato schiavista. Il processo di transizione alla cultura medievale qui si trascinò a lungo. Le caratteristiche dell'arte bizantina furono chiaramente definite nel VI secolo.

Architettura Alla fine del IV secolo, dopo la divisione dell'Impero Romano e dopo che l'imperatore Costantino trasferì la sua residenza nella Bisanzio greca, il ruolo guida nella vita politica, economica e sociale passò alla parte orientale. Da questo momento iniziò l'era dello stato bizantino, il cui centro divenne la sua nuova capitale: Costantinopoli. La storia dell'architettura bizantina è divisa in tre periodi: primo bizantino (secoli V-VIII), medio bizantino (secoli VIII-XIII) e tardo bizantino (secoli XIII-XV). Il periodo di maggiore prosperità fu il primo periodo, soprattutto il regno di Giustiniano (20-60 del VI secolo), quando Bisanzio si trasformò in una potenza potente che, oltre alla Grecia e all'Asia Minore, conquistò i popoli dell'Asia occidentale, Mediterraneo meridionale, Italia e Adriatico.

Il contributo più importante di Bisanzio alla storia dell'architettura mondiale è lo sviluppo di composizioni di chiese a cupola, espresso nell'emergere di nuovi tipi di strutture: la basilica a cupola, la chiesa centrica con una cupola su otto supporti e il sistema a cupola incrociata . Lo sviluppo dei primi due tipi cade nel primo periodo bizantino. Il sistema di templi a cupola incrociata si diffuse durante il periodo dell'architettura medio-bizantina. Anche la formazione dei monasteri come tipo speciale di complessi architettonici risale all'epoca bizantina. I più singolari sono i monasteri di campagna, che solitamente sono insediamenti fortificati circondati da mura, all'interno delle quali, oltre all'abitazione e agli annessi dei monaci, furono costruiti un grande refettorio e un edificio dominante, la chiesa. Edifici e fortificazioni, molto spesso situati asimmetricamente su luoghi elevati, erano composizioni spaziali armoniosamente coordinate - insiemi.

Il risultato strutturale più significativo dell'architettura bizantina è lo sviluppo di un sistema di sostegno della cupola su quattro supporti autoportanti utilizzando una volta a vela. Dapprima la cupola poggiava direttamente sulle vele e sugli archi di circonferenza; Successivamente, tra la cupola e la struttura portante, iniziarono a costruire un volume cilindrico - un tamburo, nelle cui pareti furono lasciate delle aperture per illuminare lo spazio sotto la cupola. L'architettura di Bisanzio ereditò da Roma le sue conquiste nel campo delle strutture a volta ad arco. Tuttavia la tecnica del calcestruzzo non venne adottata a Bisanzio; le pareti erano solitamente in mattoni o pietra tagliata. Insieme alle cupole e alle volte a botte, erano molto diffuse le volte a crociera. Per sostenere la cupola su base quadrata veniva spesso utilizzata una tecnica orientale: il trompe.

Pittura La storia della pittura bizantina difficilmente può essere scritta in questo periodo. L'unica testimonianza attendibile dell'arte è fornita dai suoi monumenti. Tutti questi sono i resti del mondo millenario distrutto, le sue tracce sparse, risparmiate dal tempo e dal destino storico con tutta quella stravagante selezione e giustapposizione con cui le forze distruttive del tempo e della vita segnano il loro percorso. Nel frattempo conosciamo, e anche allora solo in forma tutt'altro che completa, un elenco di quelli perduti dei cicli pittorici o musivi di Costantinopoli, che senza dubbio ebbero un significato decisivo per l'intera storia dell'arte bizantina.

Grazie per l'attenzione! Il lavoro è stato completato da una studentessa della classe 6 “A” Makovkina Anna

"L'arte di Bisanzio"– una presentazione che precede una serie di presentazioni dedicate all'arte dell'Antica Rus'. Poiché le origini dell'arte antica russa sono legate alla cultura artistica di Bisanzio, ho deciso di iniziare a parlarne con un breve racconto su arte di Bisanzio.

Il post precedente sul mio sito era dedicato.

Arte di Bisanzio

Quando il principe Vladimir di Kiev decise di porre fine al paganesimo, fu il sentimento della bellezza a influenzare la sua scelta di fede! Tutti conoscono la storia degli ambasciatori del principe che visitarono diverse terre, conobbero credenze diverse e parlarono con ammirazione del servizio ortodosso nella chiesa di Hagia Sophia a Costantinopoli: "Non sapevano dove eravamo: in cielo o in terra."

L'innato senso della bellezza, il desiderio di bellezza, catturato nella leggenda della cronaca sulla scelta della fede, hanno permesso al popolo russo di percepire e utilizzare il sistema artistico di Bisanzio per i propri scopi creativi.

Nel 330-335 L'imperatore romano Costantino fondò la città di Costantinopoli in Asia Minore, che divenne la capitale dell'Impero Romano d'Oriente, o Bisanzio.

Nell'architettura, come in altre forme d'arte, si combinano due tradizioni: antica e orientale. Le prime chiese cristiane costruite a Bisanzio furono basiliche.

Basilica

La Basilica è un edificio diviso all'interno da file longitudinali di colonne o pilastri in tre o cinque parti (navate). Di norma, la navata centrale è più alta e più larga di quelle laterali.

Nella parte orientale della basilica, terminante con una sporgenza semicircolare (abside), c'era un altare, nella parte occidentale c'era un ingresso. Le navate longitudinali erano intersecate da un transetto, situato più vicino alla facciata orientale, in modo che l'edificio avesse in pianta la forma di una croce, il principale simbolo del cristianesimo.

La cupola simboleggia la volta celeste. Le volte semicilindriche adiacenti alla cupola, intersecandosi, formano anch'esse una croce, ma con estremità uguali.

Cattedrale di Santa Sofia

Il primo esempio di stile bizantino in architettura fu la basilica a cupola nel nome di Santa Sofia (Divina Sapienza) con tre absidi, costruita durante il regno dell'imperatore Giustiniano (483-565) da Antemio di Thrall e Isidoro di Mileto.

La cupola sferica centrale della Chiesa di Santa Sofia poggia su quattro potenti pilastri. Altri due emisferi sono adiacenti ad esso da est e da ovest. Ciascuno, a sua volta, termina con tre piccoli emisferi, creando un ritmo speciale di contorni curvilinei.

Alla base della cupola si aprono quaranta finestre con pilastri così stretti da dissolversi ai raggi del sole, a dimostrazione del desiderio degli architetti bizantini di smaterializzare la forma. Questa illusione ottica ha dato origine alla leggenda secondo cui la cupola di Santa Sofia è sospesa al cielo tramite una catena d'oro ed è sorretta da angeli.

La Cattedrale di Sofia rimase il risultato più alto dell'architettura bizantina: nei successivi nove secoli di storia bizantina non fu creato nulla di uguale ad essa.

Iconografia

Gli artisti bizantini svilupparono canoni iconografici stabili che ebbero una forte influenza sull'arte cristiana delle epoche successive. Il Pantocratore era solitamente raffigurato nella cupola del tempio e uno dei tipi iconografici della Madre di Dio era raffigurato nell'abside.

Sulle pareti erano riprodotte scene della Scrittura, come l'Ascensione o la Natività di Cristo. Le figure degli evangelisti decorano le vele, poiché la chiesa cristiana poggia sui quattro Vangeli da loro scritti, proprio come la cupola di un tempio poggia su pilastri con l'aiuto delle vele.

La pittura, rispetto ai mosaici, occupava una posizione più modesta, e quindi meno soggetta ai requisiti canonici. Ciò ha dato agli artisti una maggiore libertà creativa.

Fu nella cultura bizantina, con la sua insita venerazione per le immagini sacre, che si sviluppò la tradizione della pittura di icone. Le icone - immagini pittoresche di Cristo, della Madre di Dio e dei santi (di solito di fronte) - sono create principalmente su tavole di legno nel rigoroso rispetto del canone.

Scultura

Nella scultura, il genere principale era il rilievo, incarnato sia nella pietra che nell'avorio. Si diffusero i dittici: piatti d'avorio decorati con rilievi di soggetti religiosi e secolari.

Arte dei gioielli

Costantinopoli era famosa per i suoi prodotti di gioielleria. Abili artigiani eseguivano ordini della corte imperiale e di ricchi aristocratici, che preferivano gioielli in oro o argento con pietre preziose.

Lo “stile bizantino” era diffuso ben oltre i confini di Bisanzio. Molti stati hanno abbracciato le sue tradizioni artistiche. Bisanzio ha svolto un ruolo molto fruttuoso nello sviluppo artistico dell'antica Rus'.

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Presentazione sul tema:

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I monumenti superstiti danno solo una debole idea della pittura di questo periodo (secoli V-VII). La natura della pittura secolare è conosciuta principalmente da fonti scritte. Durante gli scavi del “Grande Palazzo” a Costantinopoli sono stati scoperti mosaici pavimentali di diverso contenuto: scene di caccia, immagini di animali reali e fantastici, bambini che cavalcano cammelli, musicisti, pescatori, figure di pastori e bambini che giocano. Tutte queste immagini sono piene di spontaneità e acuta osservazione. Tutti testimoniano la forza dell'antica tradizione in questo monumento, risalente molto probabilmente al V (e secondo alcuni studiosi anche al VI) secolo. Anche alcuni manoscritti illustrati realizzati nel V-VI secolo rivelano un'influenza molto forte della pittura antica. Si tratta delle miniature del manoscritto del primo libro della Bibbia, conservato a Vienna (il cosiddetto “Libro della Genesi viennese”), risalente al 500 circa; miniature del manoscritto secolare del “Dioscoride” viennese dell'inizio del VI secolo, nonché dell'“Iliade” conservata nella Biblioteca Ambrosiana di Milano, apparentemente di origine costantinopolitana, e alcuni altri.

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Tradizioni caratteristiche della scuola costantinopolitana si possono rintracciare anche negli affreschi della chiesa di Sita Maria Antiqua a Roma (VII-inizi VIII secolo) e, soprattutto, negli affreschi cancellati della chiesa di Castelseprio (VI-VII secolo, secondo alcuni studiosi datali anche al IX secolo) vicino a Milano. Qui sono state conservate numerose scene dell'infanzia di Cristo, tra cui “La Natività”, “Adorazione dei Magi”, “Candelora” e altre. Il libero movimento delle figure, l’ampia pennellata pittorica, il colore trasparente e molti motivi individuali risalenti a prototipi antichi conferiscono ai dipinti di Castelseprio una vitalità speciale legata alle tradizioni ancora inestinte dell’antichità.

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L'idea più completa della natura dei primi dipinti bizantini e della loro graduale evoluzione si può ottenere dai monumenti di Ravenna, che presentavano però alcune caratteristiche specifiche. La tecnica più comune per la decorazione interna degli edifici era il mosaico, che decorava le volte e le parti superiori delle pareti, mentre le parti inferiori erano solitamente rivestite con lastre di pietra multicolori, talvolta con l'uso di intarsi, o pitture ornamentali. I soggetti preferiti dei dipinti delle catacombe si trovano nei mosaici ravennati del V secolo: ad esempio, Cristo Buon Pastore nella tomba di Galla Placidia.

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I mosaici della chiesa di Sant'Apollinare Nuovo, inizio e metà del VI secolo, raffigurano processioni di sante mogli e mariti. Situati sopra le colonne, ripetono il loro ritmo e sottolineano con il loro movimento il significato speciale dell'altare a cui sono diretti. Il sottaceto della vita e della passione di Cristo (sulla sommità del tempio) presenta caratteristiche iconografiche e stilistiche sviluppate nella successiva arte medievale. Qui dominano lo sfondo dorato e le immagini frontali. Cubi contrastanti di colori vivaci lasciano il posto a quelli rosati e brunastri e compaiono contorni chiari.

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Il processo di formazione di una società feudale matura fu accompagnato da un'intensificazione della lotta di classe, manifestata sotto forma di movimenti religiosi: iconoclastia e paulicianesimo (nell'VIII-IX secolo). I Pavlikiani si opposero alla disuguaglianza sociale e chiesero l'abolizione della gerarchia ecclesiastica e della venerazione delle icone. L'iconoclastia, che rifiutava le immagini religiose in quanto reliquia dell'idolatria, aveva radici profonde nell'ideologia diffusa nelle regioni orientali dell'impero. Se gli iconoclasti distrussero molte opere d'arte cristiana, i vittoriosi adoratori di icone nel IX secolo, a loro volta, distrussero i monumenti d'arte dei loro avversari. Un monumento interessante di questo circolo, emerso dall'ambiente monastico dei fanatici della venerazione delle icone, è il cosiddetto Salterio Khludov. Ha più di 200 disegni marginali che rappresentano composizioni suggerite al disegnatore dai salmi e dai salmi. La penetrazione della corrente popolare nell'arte dei maggiori centri dell'impero nel IX secolo si può osservare nell'esempio dei mosaici di S. Sophia a Salonicco: nella scena dell'“Ascensione” conservata qui nella cupola, così come nell'immagine della Madre di Dio nell'abside, colpiscono la ruvidezza dell'esecuzione, le proporzioni errate, le pieghe angolari e i giri, il che è combinato con l’espressività dei singoli personaggi.

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Nel timpano sopra le porte principali della Cattedrale di Santa Sofia, durante il regno dell'imperatore Leone VI il Saggio (886-912), apparve una composizione raffigurante la sua caduta sul trono davanti al Salvatore. Il Salvatore sul trono con il diavoletto che cade. Leone VI. Mosaico della Cattedrale di Santa Sofia a Costantinopoli. 886-912

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Il ciclo di immagini dell'epoca macedone nella Cattedrale di Santa Sofia è completato a sud da un mosaico (1042). gallery, che presenta imp. Costantino IX Monomakh e l'ultimo rappresentante della dinastia macedone, imperatore. Zoya, presentando doni a Cristo. Il Salvatore, seduto sul trono, è raffigurato un po 'più in alto, ai suoi lati, vicino al trono, ci sono Zoya con un rotolo e Costantino Monomakh con una borsa d'oro in mano - un dono alla Cattedrale di Santa Sofia , che l'imperatore pose sul trono della chiesa nei giorni festivi. Inizialmente c'erano immagini del diavoletto. Zoe e sua moglie, diavoletto. Michele IV (1034-1041), il quale, sotto l'imperatore. A Michael V, che ha espulso Zoya, sono stati distrutti i volti. Nel 1042 l'imperatrice tornò dall'esilio, si risposò e restaurò il suo ritratto, e al posto del ritratto di suo marito apparve il volto dell'imperatore. Costantino Monomaco. Abiti di lorate lucenti di pietre, come un solido scudo prezioso, ricoprono le figure, mentre i volti sono enfaticamente voluminosi foderati di smaltino chiaro. I volti di Konstantin e Zoya sono idealizzati e hanno rispettivamente espressioni convenzionali di mascolinità e mitezza.

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Il quadro più completo del programma di pittura del tempio del periodo macedone è dato dal katholikon del monastero di Hosios Loukas a Focide (anni '30 dell'XI secolo). Unico per la completa conservazione della decorazione musiva, è un classico esempio di quell'armonioso sistema chiamato decorazione templare medio-bizantina. Tutta l'altezza delle pareti del tempio (fino al livello delle volte) è ricoperta da un rivestimento in marmo; gli elementi decorativi (pannelli, cornicioni, fasce ad arco) sono subordinati alle divisioni strutturali dell'edificio, segnando la base e l'altezza degli archi e volte. Ciò apporta varietà, ravvivando le superfici e allo stesso tempo conferisce integrità architettonica agli interni. I mosaici sono collocati nella zona “celeste” superiore del tempio, ricoprendo le volte a botte del naos, le superfici delle trombe, le volte dell'altare, le gallerie, ed anche nelle nicchie; nel nartece le pareti e le volte sono decorate con mosaici.

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Nella cupola del katholikon del monastero di Hosios Loukas si trova l'immagine di Cristo Pantocratore in un medaglione, circondato da 4 arcangeli; nelle pareti del tamburo ci sono i profeti. I mosaici della cupola furono sostituiti nel XIX secolo. pittura ad affresco. Le immagini della Madre di Dio Oranta sul pendio della cupola e del Giovanni Battista alato (Angelo del deserto) sul lato occidentale riflettono una tradizione iconografica successiva. I mosaici sono conservati nella fila delle volte. Il trompe-l'oeil contiene i soggetti evangelici: la Natività di Cristo, la Presentazione e l'Epifania. Lo spazio dell'altare è evidenziato come una zona sacra speciale non solo architettonicamente (attraverso una barriera), ma anche dal programma pittorico. Sull'arco trionfale sono presenti immagini di arcangeli a grandezza naturale; La volta a cupola dell'altare è decorata con la composizione “La Discesa dello Spirito Santo” inscritta in un cerchio.

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Durante i secoli XI-XII la natura spiritualistica dell'arte si intensificò. Le figure perdono la loro fisicità; vengono collocate fuori dall'ambiente reale, su uno sfondo dorato. Il paesaggio architettonico o il paesaggio acquisisce un carattere convenzionale. Elementi di pittoresco che esistevano in precedenza sono sostituiti da immagini lineari. Anche la colorazione diventa più convenzionale. Gli artigiani di Costantinopoli lavoravano non solo sul territorio della capitale stessa. Ciò è testimoniato dai mosaici dell'XI secolo nella Chiesa dell'Assunta (ora distrutta) a Nicea e nella chiesa di Dafne (vicino ad Atene). Crocifissione. Mosaico della chiesa del monastero di Dafne vicino ad Atene. Seconda metà dell'XI secolo.

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Tra i mosaici di Dafne, i più notevoli sono i cicli di mosaici con scene della vita di Cristo e della Madre di Dio. L'interpretazione delle figure, delle pose, dei gesti e dei drappeggi degli abiti indica che i maestri utilizzavano prototipi antichi, ma un uso creativo, subordinato al contenuto che gli artisti inseriscono nelle scene raffigurate. La profonda premurosità dell’intera composizione, la brevità nella trasmissione della trama, la moderazione dei gesti e la cura nella selezione dei dettagli aiutano a focalizzare l’attenzione dello spettatore sulle caratteristiche interne delle persone coinvolte. La moderazione interpretativa non impedisce la varietà delle soluzioni compositive e della caratterizzazione dei personaggi. La raffinata abilità del disegno si unisce in questi mosaici alla ricchezza di sfumature cromatiche e alla grande cultura pittorica. Tutto ciò conferisce ai mosaici di Dafne un fascino e una bellezza speciali caratteristici di tutte le opere d’arte vera.

Diapositiva n.16

Descrizione diapositiva:

Insieme alla pittura monumentale, a mosaico e ad affresco, un tipo unico di pittura da cavalletto, l'icona, si sviluppò nell'arte bizantina del X-XII secolo. Il ruolo dell'icona a quanto pare aumentò notevolmente nel periodo post-iconoclastico (IX secolo). Tuttavia, il numero di monumenti di questo periodo che ci sono pervenuti è molto limitato. La tecnica di dipingere le icone con colori a cera, il cosiddetto “encausto”, in questo periodo scomparve gradualmente. Domina la tempera all’uovo. Il contorno iniziale dell'immagine è stato disegnato sul gesso, che è stato poi riempito con il tono principale locale, sopra il quale sono state realizzate lumeggiature, rossori, ecc .. Uno degli esempi più eccezionali di pittura di icone è l'icona di Gregorio il Taumaturgo della collezione dell'Ermitage (XII secolo). A prima vista, dà l'impressione di un'immagine monumentale a mosaico, che si staglia su uno scintillante sfondo dorato. La profonda spiritualità, il delicato disegno delle pieghe dei vestiti, la combinazione di colori sobria, l'alta qualità generale della lavorazione danno motivo al suo riavvicinamento con l'opera più grande di questo tipo di arte: l'icona di Nostra Signora di Vladimir nella Galleria Tretyakov.

Diapositiva n.17

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Le Crociate, che portarono alla presa di Costantinopoli (1204), giocarono un ruolo disastroso nel destino dell'Impero bizantino. I crociati saccheggiarono la capitale e portarono via un gran numero di opere d'arte; Gli artisti greci emigrarono in vari paesi dell'Europa occidentale e orientale. Allo stesso tempo, il risultato delle Crociate fu una più intensa compenetrazione di elementi culturali di popoli diversi. Durante questo periodo sorsero sul territorio dell'impero tre piccoli centri, di cui Nicea svolse il ruolo politico e culturale maggiore. Apparentemente qui è stato determinato l'interesse per l'antichità, che era percepito da alcuni ambienti pubblici come il passato nazionale. Dopo la restaurazione dell'impero sotto Michele Paleologo (la presa di Costantinopoli nel 1261), nell'arte, come in altri fenomeni culturali, iniziò la ricerca di nuove strade e emersero singoli elementi di una sorta di Rinascimento.

Diapositiva n.18

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Il numero di icone dei secoli XIV e XV che ci sono pervenute è piuttosto ampio e sta gradualmente aumentando in relazione ai lavori di ripulirle dai depositi successivi. Dalla fine del XIII secolo qui si osservano le stesse caratteristiche del cosiddetto Rinascimento Paleologo. Le proporzioni raffinate sono caratteristiche dell'immagine a grandezza naturale del Cristo Pantocratore della collezione Hermitage. Qui, in futuro verrà utilizzata anche la tecnica preferita degli spazi con tratti netti. Un eccezionale esempio di pittura della prima metà del XIV secolo è l'icona dei 12 Apostoli (Museo delle Belle Arti di Mosca): qui le figure frontali sono più grandi di quelle posteriori, sono mostrate in direzioni diverse, come in una conversazione. Le pieghe piccole e appuntite degli abiti vengono interpretate liberamente e i volti diventano voluminosi grazie all'uso di sottili riflessi. Il rafforzamento del principio emotivo è evidente nell'icona “La Vergine col Bambino del tipo della Tenerezza” (Ermitage).

Diapositiva n.19

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La celebre icona del Cristo Pantocratore (Eremo) risale agli anni '60 del XIV secolo. È particolarmente interessante per i ritratti parzialmente conservati di due nobili bizantini ai suoi margini - i contributori di questa icona al monastero sul Monte Athos, dedicato a Cristo Pantocratore. Il volto di Cristo è modellato utilizzando spazi netti. I suoi abiti blu intenso sono particolarmente ricchi di colore. Il tipo di viso perde la sua antica gravità. Verso la fine del XIV e soprattutto nel XV secolo si intensificò anche nella pittura di icone il principio grafico con la sua caratteristica ombreggiatura con linee sottili e parallele su entrambi i volti e sugli abiti. Un eccezionale esempio di pittura di icone di questo tempo è l'icona “La discesa di Cristo agli inferi” (Ermitage, XV secolo). Attira l'attenzione sia con la perfezione del design e della composizione, sia con la ricchezza del colore. La scena si svolge su più piani, le figure raffinate sono piene di grazia, le vesti di Cristo sono ornate di sfumature dorate. La tendenza emergente verso lo stile grafico portò successivamente all'aridità delle icone greche successive, che provenivano principalmente dall'Athos.

Diapositiva n.20

Descrizione diapositiva:

Diapositiva n.21

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Nell'ultimo periodo della vita di Bisanzio, le miniature dei libri raramente raggiungevano il loro precedente livello artistico. Tuttavia, va notato che in questo ambito della pittura, sempre meno vincolato dai divieti ecclesiastici, si possono rintracciare nuove tendenze già dalla fine del XIII secolo. Le nuove caratteristiche dello stile si riflettono nella resa volumetrica del paesaggio e negli elementi prospettici nella raffigurazione dell'architettura, nella libera circolazione delle figure (Vangelo n. 54 della Biblioteca Nazionale di Parigi). In questo periodo aumenta anche il ruolo del ritratto (ad esempio, Nikita Acominatus nel manoscritto della Biblioteca nazionale di Vienna). Le caratteristiche individuali si rivelano più chiaramente nei monumenti dei secoli XIV-XV, soprattutto nel manoscritto di Giovanni Cantacuzeno (n. 1242 della Biblioteca di Parigi).

Diapositiva n.22

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Di questo periodo si sono conservati numerosi manoscritti di contenuto secolare, che riproducono esempi antichi, come Oppiano, Dioscoride e altri. Il modo pittoresco di esecuzione è caratteristico delle miniature dell'inizio del XIV secolo. In essi, come nella pittura monumentale, un ampio posto è occupato da un complesso sfondo architettonico con un velum (velo) gettato tra gli edifici. Le figure a volte sono trasmesse anche con un movimento esagerato. I volti sono eseguiti in modo plastico. Tuttavia, anche nella miniatura, verso la fine del XIV secolo, la linearità aumentò gradualmente, fino a portare a forme essiccate: così, nell'Akathist alla Madre di Dio (Museo storico statale n. 429), risalente al XV secolo , questa tendenza assume una incarnazione visibile. Anche qui sono evidenti le influenze occidentali.

Diapositiva n.23

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I cambiamenti più significativi avvennero tra la fine del XIII e l'inizio del XIV secolo nel campo della pittura. Vi è un significativo arricchimento del tema dovuto all'illustrazione dell'akathist alla Madre di Dio (akathist - un inno in onore della Madre di Dio, scritto nel VII secolo), una serie di racconti apocrifi (apocrifi - libri religiosi non riconosciuti dalla Chiesa, dai Vangeli), vari inni e preghiere. Anche i momenti narrativi vengono esaltati nelle singole scene: vengono introdotti sfondi architettonici complessi (a volte presentati da un punto di vista elevato o ribassato) e paesaggi relativamente dettagliati. La composizione è costruita su più piani. Le figure, prima immobili, grandi, il più delle volte presentate di fronte, in questo momento diventano leggere e acquisiscono proporzioni allungate; sono spesso raffigurati in interazione, a volte con movimenti a scatti. I ritratti sono più comuni in questo momento. Lo stile di questo periodo è caratterizzato da un aumento degli elementi pittorici, una complicazione della combinazione di colori con l'uso di toni di transizione.

Diapositiva n.24

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Le nuove tendenze furono espresse più chiaramente nei mosaici e negli affreschi del Monastero di Chora (Kahrie-Jami) a Costantinopoli (primo decennio del XIV secolo). La decorazione musiva del tempio, conservata in due narteci, è associata al nome di Teodoro Metochites, l'onnipotente logoteta dell'imperatore Andronico II Paleologo. (Logothete è un titolo dell'alta corte di Bisanzio.) Il tempio ha un ritratto in mosaico di questa importante figura politica, scienziato e scrittore che offre il tempio a Cristo. Egli stesso descrisse lo splendore del tempio da lui restaurato e la ricchezza del suo palazzo, dove erano raccolti meravigliosi monumenti antichi.

Diapositiva n.25

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Il contenuto principale dei mosaici che ci sono pervenuti sono scene della vita di Cristo e dell'Akathist alla Madre di Dio. Il fatto stesso della creazione di un ciclo sviluppato associato al culto della Madre di Dio è caratteristico delle nuove tendenze dell'arte. I mosaicisti hanno riprodotto in dettaglio la storia apocrifa, introducendo dettagli di vita nelle singole scene. Tale, ad esempio, è "La buona notizia ad Anna" con i suoi elementi paesaggistici, l'immagine reale di un pozzo, o "Guarigione di varie malattie". Una maggiore emotività si avverte nell’“Assunzione della Vergine Maria”, nella “Strage degli Innocenti” o nel “Compianto delle Madri di Betlemme”. Ampio spazio è dato in molte scene allo sfondo architettonico, edifici bizzarri, presentati sia da un punto di vista alto che basso. Sono resi volumetricamente in unità organica con figure, a volte disposte su più piani. I ricercatori notano come caratteristica dei mosaici Kahrie-Jami il sottile ritmo compositivo che unisce le singole scene. La ricchezza di colori con giochi di colori conferisce un fascino speciale a questo meraviglioso monumento.

Diapositiva n.26

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Nei dipinti della Metropoli (inizi del XIV secolo) convivono uno stile conservatore (nei dipinti della navata principale e di quella settentrionale) e uno stile avanzato, con elementi di realismo, in quella meridionale. Così, nella scena della “Resurrezione della figlia di Giairo”, presentata sullo sfondo di un edificio in profondità, come se fossero dati in prospettiva, gruppi animati di persone acquisiscono quelle caratteristiche di un tipo popolare che prima era estremamente raro. Nella composizione a più figure del “Giudizio Universale”, i volti degli apostoli sono individualizzati, le figure impetuose degli angeli sono piene di movimento; la spontaneità ingenua emana dalle figure di diavoli presentate sullo sfondo delle fiamme. La colorazione si basa sul confronto di colori complementari; gli spazi netti, che si stagliano su uno sfondo scuro, creano l'impressione di volume.

Diapositiva n.27

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Nei dipinti di Periblepta (inizi del XV secolo), le composizioni complesse sono piene di espressione e movimento impetuoso. Così, nella “Natività di Cristo”, presentata sullo sfondo di un paesaggio sviluppato, le figure della Madre di Dio e un gruppo di angeli situati tra le rocce sono profondamente espressive. La rappresentazione della “Divina Liturgia” è particolarmente piena di sentimento. Tuttavia, nei dipinti successivi di Mistra, in particolare in Pantanassa (anni 30-40 del XV secolo), c'è un allontanamento dalle ricerche umanistiche. Quella nuova ondata di spiritualismo, che cominciò ad essere osservata dalla fine del XIV secolo in vari ambiti ideologici, colpì anche l'arte - nel campo della pittura è accompagnata da un'intensificazione del principio lineare e grafico. In questo momento, l'antico laconicismo dell'arte bizantina lascia il posto a una storia complessa; il collegamento compositivo con la struttura dell'edificio è interrotto. I dipinti a più livelli si suddividono in scene chiuse che ricordano le icone.